Voici quelques pistes avec en préambule un rappel de cet univers à part qu’est le bijou contemporain dans le monde du bijou.

Le bijou contemporain : un métier d’auteur

Le bijou contemporain s’affirme comme un champ créatif à part entière, au croisement de l’art, du design et du savoir-faire. Contrairement à la joaillerie traditionnelle, il s’émancipe des matériaux précieux et des formes codifiées pour explorer des expressions libres, des matériaux inattendus et des narrations singulières.

Comment devient-on bijoutier contemporain aujourd’hui ? Quelles formations suivent les créateurs présents en galerie ?

Quelles formations pour devenir créateur de bijou contemporain ?

DN MADE – Diplôme National des Métiers d’Art et du Design (bac+3)

Ce diplôme reconnu par l’État se prépare en trois ans après le bac ou un niveau équivalent au bac, tel que le BMA (brevet des métiers d’art). Il permet d’acquérir une culture du design, de la matière et du geste. Plusieurs mentions sont adaptées à la création de bijoux :

• DN MADE Objet – parcours Bijou
• DN MADE Matériaux – création métal

Exemples d’établissements :

• École Boulle (Paris)
• ENSAAMA – École nationale supérieure des arts appliqués et des métiers d’art (Paris)
• Lycée Amblard (Valence)
• SEPR (Lyon)
• Institut de Bijouterie de Saumur
• Lycée Clément de Pémille (Graulhet)

Écoles d’art, design et Beaux-Arts

Certains créateurs choisissent un parcours en école d’art où le bijou est abordé comme un vecteur d’expression plastique.

• ENSAD Limoges – École nationale supérieure d’art et design de Limoges(bijou, céramique, verre) : le DNA Diplôme National d’Art (bac +3) peut être suivi d’un DNSEP Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique (bac +5)
• HEAR Haute Ecole des Arts du Rhin, Strasbourg – mention Art-Objet

Ces formations permettent d’interroger le bijou comme objet conceptuel et de développer une pratique autonome et critique.

Formations techniques et professionnelles

Les CAP, BMA et formations professionnelles permettent d’acquérir les techniques et les gestes fondamentaux : sertir, souder, forger, ciseler, graver.

• CAP Art du bijou et du joyau (1-2 ans)
• BMA Art du bijou (2 ans après CAP ou bac)

Certaines de ces formations peuvent être suivies en alternance.

Parcours hybrides et internationaux

De nombreux créateurs croisent les disciplines : design produit, textile, architecture, sculpture, mode… ou se forment à l’étranger :

• Royal Academy of Fine Arts (Anvers)
• Gerrit Rietveld Academie (Amsterdam)
• Hochschule Trier (Idar-Oberstein)
• HEAD Haute école d’art et de design (Genève)

Un site regroupant toutes les formations françaises au design et métiers d’art : Site national Design & Métiers d’Art

En conclusion :

Il n’existe pas une voie unique pour devenir bijoutier contemporain, mais une constellation de parcours. Que l’on vienne du design, des métiers d’art ou de l’art contemporain, chaque créateur construit un langage singulier en lien avec la matière et le corps.

En tant que galerie de bijoux, nous valorisons cette richesse de profils, gage de créativité, d’engagement et d’innovation dans le bijou contemporain.

Ajout du 30/07/2025 : en tant que professionnelle du bijou contemporain, j’ai eu l’opportunité de participer en 2024 et 2025 à un jury de fin de cursus de DNMADE (Création, bijoux contemporains et objets précieux) à la SEPR à Lyon.

Voici quelques photos de la session 2025 :

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Pouvez-vous nous raconter comment vous êtes devenue bijoutière ?
C’est un peu le hasard qui m’a conduite vers ce métier. En terminale, je cherchais une voie professionnelle manuelle, et des gens m’ont parlé de la bijouterie. J’ai trouvé un apprentissage et j’ai découvert que j’aimais travailler le métal. Ce n’était pas une passion de toujours, mais j’ai été captivée dès que j’ai commencé.

Qu’est-ce qui vous plaît le plus dans le travail du métal ?
Ce qui me plaît, c’est de travailler le métal, de le transformer. J’aime la précision et la patience que cela demande. La forge, par exemple, est une technique ancestrale qui me fascine. J’ai appris un peu cette technique à Strasbourg, où j’ai eu l’occasion de m’entraîner au Damas avec Jean-Louis Hurlin, un maître d’art. Mais pour l’essentiel, j’ai appris par moi-même.

Comment se déroule votre processus créatif ? Dessinez-vous vos pièces avant de les créer ?
Ça dépend. Le dessin est pour moi un outil de réflexion. Je l’utilise pour faire évoluer une pièce ou pour trouver des solutions techniques. Mais je ne dessine pas toutes mes pièces. Souvent, ce sont les objets que je ramasse ou que je vois qui m’inspirent. Je pars de l’existant et je transforme.

D’où tirez-vous votre inspiration ?
J’ai des fils conducteurs que je suis. Mes trouvailles m’inspirent. Par exemple, pour les colliers à spirales, j’ai su immédiatement ce que je voulais en faire dès que j’ai vu l’objet. J’ai fait quelques recherches pour la disposition, testé différents enroulements, et finalement, j’ai trouvé ce qui me plaisait.

Travaillez-vous uniquement le métal, ou explorez-vous d’autres matériaux ?
Je travaille aussi les végétaux, les galets, et parfois la cire. J’utilise parfois des pierres précieuses, mais seulement si la pièce le nécessite. J’aime bien la tourmaline ou l’émeraude.

Comment décririez-vous votre style ?
C’est une question difficile. Je dirais qu’il y a des influences primitives dans mon travail. Je ne suis pas dans la géométrie ; j’aime les formes désaxées et je n’aime pas la répétition. Mon travail se rapproche peut-être plus des objets africains, mais c’est difficile de se classer soi-même. Ce sont plutôt les autres qui définissent votre travail.

Avez-vous un poinçon ou une signature pour vos créations ?
Oui, j’ai un poinçon de maître. C’est un losange avec mes initiales, MA, et au milieu, il y a un castor. Le castor est un animal constructeur, familial, et qui vit en harmonie avec la nature. C’est un symbole qui me parle beaucoup.

Y a-t-il toujours une histoire derrière vos bijoux ?
Oui, toujours. Mes bijoux racontent des histoires de rencontres, que ce soit avec des objets, des gens ou des lieux. Ils ont presque tous un nom, qui apparaît comme une évidence au fur et à mesure de leur création.

Cherchez-vous à transmettre une émotion particulière à travers vos bijoux ?
Pas forcément une émotion spécifique, mais il y a toujours des émotions dans mes créations. C’est plus une idée, un fil conducteur, une histoire. Les émotions se transmettent à travers le travail de la matière. Un bijou est un objet qui transforme les émotions, et chaque pièce est porteuse de la sensibilité de son créateur.

Pouvez-vous nous parler des techniques que vous utilisez ?
J’utilise beaucoup de techniques classiques de bijouterie, comme la forge. Mais j’invente aussi parfois mes propres techniques ou outils pour arriver à mes fins. Par exemple, les bagues feuilles sont nées d’une expérimentation où j’ai moulé des champignons dans du plâtre, puis des feuilles. C’est un processus constant d’expérimentation et de recherches.

Découvrir les créations de Marianne Anselin

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Un peu d’histoire

Le verre, par sa transparence, sa brillance et sa capacité a capturer la lumière de manière unique, a toujours eu sa place en bijouterie.

Les premières traces d’utilisation du verre dans la bijouterie remontent à l’Antiquité, où les anciennes civilisations comme les Égyptiens, les Romains et les Grecs utilisaient des perles en verre coloré pour orner leurs bijoux. Ces perles étaient fabriquées à la main et souvent ornées de motifs complexes.

A l’époque de la Renaissance, les artisans de l’île de Murano à Venise ont perfectionné des techniques telles que le millefiori pour créer des perles en verre utilisées dans les bijoux.

Au 19e siècle, de nouvelles techniques de travail du verre comme le sablage et l’émaillage ont élargi les possibilités de création de bijoux en verre.

Aujourd’hui, dans le monde de la bijouterie contemporaine, les artisans utilisent différentes techniques de travail du verre. En effet, le verre peut être travaillé à chaud ou à froid, ce qui nécessite un savoir-faire bien spécifique.

Les différentes techniques de travail du verre

Le travail du verre soufflé

Les bijoux en verre soufflé se distinguent par leur esthétique organique, leur transparence
lumineuse et la dimension tactile qu’offre la texture du verre.
Chaque pièce est unique en raison du processus artisanal impliqué.

Le soufflage à la canne :

Spécialiste du verre chaud, le souffleur de verre met en forme le verre en fusion à l’aide d’un long tube en inox appelé « la canne ».
Il commence par chauffer un morceau de verre solide dans un four à des températures extrêmement élevées jusqu’à ce qu’il devienne visqueux.

Ensuite, il recueille une quantité de verre en fusion pour former une boule appelée « goutte ».
En soufflant doucement de l’air dans sa canne, l’artisan façonne et étire le verre pour lui donner la forme désirée.

Pendant le processus de soufflage, l’artisan peut ajouter des couleurs et des motifs en incorporant des pigments de verre.

Une fois la pièce formée, elle est soigneusement refroidie dans un four de recuisson pour éviter les fractures et pour renforcer sa solidité.

Le soufflage au chalumeau :

Le travail du verre au chalumeau nécessite l’utilisation de baguettes et de tubes de verre, généralement colorés, transparents ou opaques, exposés à la flamme du chalumeau.

Cette méthode requiert une grande délicatesse et précision, car il est crucial de contrôler la température de la flamme.

Le verre, sous forme de tubes de différents diamètres, couleurs et épaisseurs, est chauffé jusqu’à la température de 1200° pour pouvoir le mettre en forme et le souffler. La pièce ainsi fabriquée sera ensuite recuite pour stabiliser le verre.

Le travail du verre par fusion

Le fusing est une technique de travail du verre qui implique la fusion de morceaux de verre à haute température pour les assembler en une seule pièce

Le travail du verre à froid

Le travail du verre à froid implique généralement la manipulation de verre sans nécessiter de chaleur extrême.
Les bijoutiers utilisent alors différentes techniques telles que le découpage, le meulage, le polissage et l’assemblage.
Le verre peut être associé à d’autres matériaux comme le métal, le bois ou même la pierre.

Les différents types de verre

Le verre sodocalcique, également appelé verre de Murano, est un verre ordinaire.
Le verre borosilicate est de meilleure qualité que le verre ordinaire, plus qualitatif et transparent. Il a été inventé par Otto Schott en 1884 à Iéna en Allemagne.
Ce matériau particulier se caractérise par sa résistance aux hautes températures et aux chocs.
De plus, il nécessite une température de travail plus élevée. Il permet ainsi de travailler des formes plus élaborées que le verre sodocalcique et est donc très apprécié en bijouterie contemporaine.

Les créateurs de bijoux en verre

À la galerie, nous collaborons avec différents créateurs spécialisés dans les bijoux en verre.
L’exposition « Variations – Bijoux de verre », du 30 mai au 6 juillet 2024, présente le travail de 3 créateurs travaillant exclusivement le verre.

Kana Umeda, artiste verrière japonaise, crée depuis 2008 sous le label « _cthruit » (transcription de « see through it » – “voir à travers”) des bijoux poétiques et aériens.

Chaque pièce est fabriquée entièrement à la main par la créatrice dans son atelier de Kanazawa, selon la technique du verre filé et soufflé au chalumeau.

Inspirée par la nature et les éléments, elle ne cesse d’explorer et de développer de nouvelles techniques dans ses collections.

Par exemple, la série « captured water » encapsule de l’eau dans le verre tandis que la collection « prism » mélange différentes couleurs de manière subtile et douce.

Dans sa toute dernière collection, elle associe perles de culture et verre :  » Je vois une similarité, en termes de beauté naturelle, entre ces billes de lumière maritime et le verre, qui est transparent et reflète tout. J’aime aussi libérer la perle de son statut classique dans le monde des bijoux et l’inscrire, grâce au verre, dans un contexte plus contemporain. « 

Brigitte Bonnave est une souffleuse de verre dont l’atelier se situe en région lilloise.

Depuis plus de 25 ans, elle collabore avec le monde de la Haute Couture (Jean-Paul Gaultier, Balanciaga, Stéphane Rolland…) pour lequel elle crée et fabrique des bijoux et accessoires en verre soufflé au chalumeau avec notamment des inclusions de métaux précieux (or, platine), technique qu’elle a inventée et brevetée.

Pour fabriquer ses pièces, elle utilise du verre borosilicate sous forme de tubes de différents diamètres, couleurs et épaisseurs, qu’elle chauffe jusqu’à la température de 1200° pour pouvoir le mettre en forme et le souffler. Il sera ensuite recuit pour le stabiliser.

Des créations d’une grande élégance, sculpturales et baroques, fruit d’un artisanat associant créativité et savoir-faire.

Christian Metzner est un designer allemand établi à Berlin.

Les objets et bijoux créés par Christian Metzner se distinguent par un design minimaliste et intemporel, et associent rigueur formelle et plaisir de la matière, ainsi que des références au bijou antique ou classique.

Certaines créations se parent d’un fin revêtement métallique couleur or ou argent, au moyen d’un procédé spécifique qui en intensifie les reflets.

Christian Metzner collabore pour la fabrication avec des manufactures de verre borosilicate en Allemagne et des artisans souffleurs de verre en République Tchèque. Un artisanat traditionnel de haute précision pour une interprétation moderne du travail du verre.

Article rédigé par Samantha, stagiaire à la galerie, mai 2024

Sources :
https://www.persee.fr/doc/sevre_1169-2537_2003_num_12_1_1451
https://algandelux.com/travail-du-verre/
https://atelierdeverreanvi.com/about/
https://www.atraverre.com/techniques-du-verre
https://fr.wikipedia.org/wiki/Histoire_du_verre
https://www.saint-gobain-glass.fr/fr/article/tout-savoir-sur-le-verre-souffle

Découvrir les bijoux de Christian Metzner

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Comment avez-vous eu l’idée de créer ce bougeoir ?

« La collection Eccola a commencé par les bijoux. Ensuite, j’ai voulu intégrer des objets pour explorer la forme et la matière.

Le grand vase (« Idolo ») a été ma première création. Il met en avant la faïence, une matière que j’utilise depuis le début de ma carrière, qui représente le fil rouge de mes collections.

Ensuite, j’ai eu l’idée de créer un bougeoir en m’inspirant des statuettes des déesses Vénus, des représentations féminines de la période néolithique.

Statuette féminine néolithique moyen,
Terre cuite modelée,
Musée d’Archéologie Nationale, Saint Germain-en-Laye

La question de la taille était importante : je souhaitais un objet facile à tenir en main, avec une certaine présence et qui exprime la féminité.

J’ai également voulu mettre en avant le côté technique en créant une partie intérieure amovible, facile à nettoyer.

En exploitant ces différentes facettes, j’ai eu l’idée de concevoir un bougeoir avec plusieurs fonctions : on peut le mettre dans deux sens différents et il est soit bougeoir, soit soliflore.

J’imaginais par exemple un centre de table avec différents objets créant un dialogue : trois avec des fleurs, deux avec des bougies. Ils peuvent être placés dans différentes positions, permettant de créer plusieurs combinaisons, et une alternance entre vide et plein.

Quel est votre processus de création et de fabrication du prototype jusqu’au résultat final ?

J’ai passé beaucoup de temps sur le dessin. Mon objectif était de trouver les proportions parfaites et la taille adéquate. Il était important de trouver le bon espace entre les différentes parties et l’équilibre le plus juste possible entre les courbes.
Je souhaitais trouver une forme et une taille capables de contenir aussi bien une bougie qu’une fleur.

En ce qui concerne le processus de fabrication, je dessine l’objet à la main, puis il est modélisé et imprimé en 3D.

Je collabore avec un céramiste en Italie spécialisé dans la faïence traditionnelle des années 60, qui a un savoir-faire exceptionnel.

Après validation de la pièce imprimée en 3D, le céramiste crée un moule en plâtre, formé de plusieurs parties.

ll verse ensuite la terre liquide dans le moule et contrôle le temps nécessaire pour obtenir la bonne épaisseur de l’objet.

Après avoir vidé le moule du surplus de terre, le céramiste laisse sécher le modèle et lisse les arêtes entre les différentes parties. La pièce en biscuit est ensuite cuite à 1000 degrés.

Après la première cuisson, la pièce est plongée dans un bain d’émail, puis elle est cuite une deuxième fois à 980 degrés pour obtenir le résultat final.

Êtes-vous contente de ce projet ?

Je suis très contente de ce vase et bougeoir, il plait beaucoup et permet aux personnes qui apprécient mon travail, mais qui ne portent pas de bijoux, d’avoir une de mes créations.

Le résultat final correspond vraiment à ce que j’avais imaginé. J’ai passé beaucoup de temps à le dessiner et à perfectionner la forme pour obtenir un objet à la fois ergonomique, sympathique et sensuel. »

Propos recueillis par Samantha, stagiaire à la galerie, le 11/05/24.

Photos fournies par Marion Vidal.

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Louise travaille dans un atelier partagé au Bazaar Saint So, lieu dédié aux activités créatives et porteuses de valeurs sociales à Lille.

« J’ai grandi dans un milieu créatif : mon père était architecte et ma mère avait créé le premier dépôt-vente de vêtements à Lille, avec de très belles pièces de couturiers et de créateurs. J’ai donc baigné dans un milieu tourné vers les arts, l’architecture et la mode.

Après un bac littéraire, je me suis naturellement tournée vers les arts appliqués et j’ai découvert le design textile, qui a été pour moi une révélation : on peut collaborer avec plein d’autres métiers que la mode. Et j’adore le motif, les imprimés.

J’ai d’abord travaillé dans quelques entreprises de la région, puis j’ai eu envie de créer des produits plus proches de mes préoccupations et de mes valeurs. J’ai donc décidé de créer des accessoires qui me correspondaient, tout en suivant le processus entier, de la création à la fabrication.

Ce que j’aime avec les foulards, c’est le format carré, comme une page blanche qui permet de laisser libre cours à mes inspirations et mes envies.

Le foulard en soie, c’est un objet qu’on transmet, qu’on va garder toute une vie. J’ai moi-même des foulards qui viennent de ma grand-mère. Et puis, le travail de la soie implique une certaine qualité et une valeur. C’est un accessoire très classique, que j’avais envie de remettre au goût du jour en proposant une lecture plus actuelle, avec des motifs contemporains.

J’ai toujours été intéressée par les questions de fabrication et de perpétuation de savoir-faire. Je collabore avec une entreprise de la région lyonnaise, région historique du travail de la soie. Cette entreprise est labellisée « Entreprise du patrimoine vivant« , un label attribué aux entreprises qui perpétuent des savoir-faire d’exception et des techniques anciennes.

Ce qui me plait avec les accessoires, c’est le côté « art utilitaire« , car on crée des choses qui vont être portées. J’aime cette relation à l’usage.

Je suis très inspirée par les courants du Bauhaus et du Modernisme : des courants dans lesquels il n’y avait plus de hiérarchie entre les arts « majeurs » et les arts appliqués. Pour moi aussi les différents arts sont de la création qui doit cohabiter, se répondre et s’influencer mutuellement.

Mon premier foulard a été le foulard « Living room », inspiré du travail de Charlotte Perriand, mon artiste et designer préférée. J’admire son travail et son parcours.

Mes inspirations sont issues de l’art, en particulier de l’architecture, la photographie et le cinéma, que je réinterprète à ma façon. Je me considère plus comme une designer que comme une créatrice de mode, car je ne me reconnais pas dans la temporalité de la mode qui veut qu’un vêtement soit vite démodé.

Je crée une collection que j’ai voulue intemporelle et qui vient s’enrichir au fur et à mesure de nouveaux modèles.

A travers mes foulards, je recherche la transmission d’une histoire et d’un vêtement qui dure, tant par la qualité que le style.

C’est une production raisonnée, en petite série et à un prix juste compte tenu de la qualité et du lieu de fabrication. C’est cela mon plus gros défi, face à des mastodontes ou des concurrents qui ne se préoccupent pas forcément des conditions de fabrication, ce qui fausse les prix du textile.

Dans un accessoire, il y a énormément d’étapes de fabrication, et la conscience que cela a un certain coût a malheureusement été perdue.

Je porte certains modèles plus que d’autres, en fonction des couleurs qui vont m’aller mieux que d’autres. Dernièrement, je porte surtout le « Loggia », mon dernier modèle qui est inspiré de la Cité radieuse de Le Corbusier à Marseille. »

Propos recueillis par Elise Lecocq, stagiaire à la galerie, le 16/05/23

Découvrir l’univers Andrée Sorant

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Les bijoux de Telma, ce sont des agencements de formes très pures, magnifiées par la couleur mate du stratifié HPL qu’elle récupère auprès de menuiserie locales.

La découpe est parfaite, la face cachée du bijou aussi belle que la face visible; d’ailleurs ses colliers ont la particularité d’être réversibles.
Les boucles d’oreilles ont été étudiées pour suivre la courbe du visage. Les colliers sont grands mais légers, et souples car montés sur un ruban.

A l’occasion de l’exposition COLORS (du 21 mars au 29 avril 2023), elle a répondu à notre questionnaire sur la couleur.

Que représente la couleur pour toi ?

La couleur est une représentation de notre état d’esprit. Elle l’affirme et l’amplifie.

Quel rôle joue la couleur dans ton travail et depuis quand ?

Au fil des années, la couleur a joué un rôle de plus en plus important dans mon processus créatif. Aujourd’hui, elle est présente dans tous les aspects de mon travail : architecture, bijou, peinture.

Y a-t-il des couleurs que tu évites ?

Pas particulièrement. Les couleurs que j’utilise sont naturellement limitées puisque je ne travaille qu’avec des chutes issues de menuiseries. Cependant, mon choix de couleurs parmi ces chutes et les associations de couleurs que je vais former dans mes bijoux vont me caractériser – bleu vif, bleu-vert, rouge, bordeaux, orange, noir et blanc…

Comment choisis-tu les couleurs que tu utilises dans tes bijoux ?

Je recherche toujours la simplicité et la clarté des formes, et la symbiose entre couleur et forme; pour un parfait équilibre des deux. C’est un langage fort et audacieux.

Quelles sont tes différentes inspirations en ce qui concerne la couleur ?

Mon inspiration principale est clairement l’architecture. Les couleurs que je choisis servent à accentuer la forme, les vides et les pleins, l’ombre et la lumière… c’est très intuitif, en fait.

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Que signifie la couleur pour toi ?

J’expérimente la couleur comme un mode de vie.

Quel rôle la couleur joue-t-elle dans ton travail, et depuis quand ?

Tout est en couleur dans mon travail ! Mes bijoux sont entièrement colorés, de tous les côtés.
J’ai l’impression que la couleur m’a toujours accompagnée. L’arc-en-ciel coule dans mes veines !

Y a-t-il des couleurs que tu évites ?

Je n’évite pas spécialement de couleurs. Cependant, certaines couleurs n’ont pas leur place dans mon travail, les tons de gris par exemple.

Comment choisis-tu les couleurs que tu utilises dans tes bijoux ? Comment les décrirais-tu ?

Ma méthode de composition est ludique et instinctive.
La couleur a toujours été présente dans mon travail. Au fil du temps, j’ai mis au point une palette très personnelle qui regroupe des tons pastels, des couleurs vives voire fluo et des finitions métalliques. Tout cela peut sembler beaucoup, mais cela a parfaitement sa place dans mon univers.

Quelle sont tes différentes inspirations en ce qui concerne les couleurs ?

Je prends beaucoup de plaisir à transformer mes expériences en métaphores, en ajoutant une vision romantique – parfois ironique – à toutes les petites choses du quotidien.
Mes sources d’inspiration sont le graffiti et le street art, ainsi que les mouvements artistiques tels que Dada, le Bauhaus et Memphis, pour n’en citer que quelques-uns.

Le mélange est ma marque de fabrique. J’aime associer les contraires, les faire dialoguer. Les faire danser, s’éloigner, s’approcher et jouer ensemble.

Mes bijoux sont comme une potion magique regroupant différents ingrédients provenant de diverses inspirations. Ce sont des collages, des assemblages à travers lesquels j’essaie de refléter mon monde intérieur.

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Ce métal, gris foncé à l’état naturel, se pare de merveilleuses teintes lorsqu’il est anodisé et de reflets étonnants lorsqu’il est chauffé au chalumeau.

Difficile à travailler, il nécessite des compétences et du matériel spécifiques, que ce soit pour la découpe ou pour la soudure, et pour l’anodisation.
Ses 3 atouts : sa légèreté, sa résistance et son caractère non allergénique.

J’ai découvert les bijoux en titane vers 2010 lorsque, avant de créer mon propre lieu, je fréquentais avec bonheur la galerie Elsa Vanier à Paris. C’est là que j’ai découvert les boucles d’oreilles et les bracelets « Continu » en titane anodisé de la joaillière Florence Croisier, aux teintes douces et subtiles et aux formes sculpturales.

Plus tard, c’est encore Elsa Vanier qui, lors d’une exposition consacrée au titane, a impulsé un mouvement au sein des bijoutiers contemporains de sa galerie : Claire Wolfstirn, Marianne Anselin, Agathe Saint-Girons et d’autres ont ainsi commencé à travailler ce métal, ce qu’elles poursuivent aujourd’hui.

Avec Claire Wolfstirn, le titane se pare de reflets bleus et pourpres lorsqu’elle le chauffe (ces bijoux sont en vente à la galerie).

Marianne Anselin le forge, et lui confère l’aspect du bois (bague « bourgeons, en vente à la galerie)

Agathe Saint Girons s’en sert comme d’un feutre de couleur dans ses boucles d’oreilles « Gribouillis » en titane anodisé: des plus petites aux plus extravagantes, ces boucles d’oreilles déroulent des palettes d’arc en ciel et s’oublient tant elles sont légères.

Citons encore, pour le titane bleu :
Claire Lavendhomme, artiste bruxelloise, utilise également le pouvoir du chalumeau sur ses bijoux en titane aux allures imparfaites. Le titane est texturé, griffé, ou martelé, et se transforme en matériau bleu, brun et pourpre au contact de la flamme.

Pascale Lion (bijoux en cotte de maille) a développé depuis 2020 une ligne de bijoux en titane bleuté : variations du bleu vif ou bleu gris ou violet, obtenues en chauffant le métal.

Et pour le titane anodisé :
Maarja Niinemägi, artiste estonienne présentée lors de l’exposition COLORS, teinte ses bijoux de multiples couleurs, associant parfois plusieurs couleurs dans un même bijou.

Nos conseils pour entretenir vos bijoux en titane :

Le titane ne s’oxyde pas et ne se raye pas facilement.
Néanmoins, suite aux manipulations, les traces de doigt peuvent laisser des marques sur la couleur (titane anodisé). Celles-ci s’enlèvent facilement : nettoyer les surfaces au doigt avec du liquide vaisselle, puis rincer à l’eau claire et sécher immédiatement avec un papier absorbant. La couleur sera ravivée, comme neuve.

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Dans le cadre de ses recherches, elle a eu l’idée de combiner design textile et création de bijou. 

C’est en se formant à une technique de passementerie chez un fabricant en Saxe (« Häkelgalon », une technique de tressage importée de France au 19ème siècle) qu’elle en imagine le potentiel créatif. Plus que les motifs, fascinants par leur diversité, ce sont alors la structure et la forme du galon qui l’intéressent. 

Après de nombreux essais avec différents fils sur une machine des années 1950, elle met au point sa propre technique pour fabriquer des bandes textiles, qui seront ensuite mises en forme pour en faire des bijoux tridimensionnels. C’est donc l’association d’un procédé mécanique (la fabrication de bandes textiles sur une machine ancienne dans son atelier) et d’un travail manuel (froncer, vriller et superposer les bandes en spirales) pour un résultat unique : des bijoux tout en volume et en transparence, très légers. 

Au travail sur le volume et la forme se superpose un travail sur la couleur : Anke Hennig dispose d’une multitude de teintes de fils qu’elle associe avec virtuosité dans ses créations.

Sa compétence de coloriste a été une aide précieuse lors du choix des palettes de couleurs pour la collection présentée dans l’exposition COLORS : association de boucles d’oreilles dans différentes nuances d’une même couleur, et association de nuances dans un même bijou (colliers, broches).

Une démonstration éblouissante du talent technique et créatif de Anke Hennig. 

Exposition COLORS, du 21 mars au 29 avril 2023 à la Galerie Bettina Flament. 

Sources : Anke Hennig, GZ Goldschmiede Zeitung.

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Tous nos bijoux en argent sont en argent 925, c’est à dire en argent massif.

Nos créateurs ne rhodient pas les pièces, afin de préserver la beauté naturelle du métal.
Nous soutenons totalement ce choix : en effet, le rhodiage est souvent utilisé en bijouterie pour donner un éclat supplémentaire au bijou et éviter que l’argent ne s’oxyde. Le rhodiage consiste à appliquer une couche de rhodium sur l’argent par plaquage, masquant ainsi l’argent. Le brillant et l’éclat très blanc obtenus ne sont donc pas celui de l’argent.
De plus, au contact de la peau et des frottements (sur les bagues en particulier), la couche de rhodium va peu à peu s’enlever, ce qui sera disgracieux. Il faudra donc s’adresser à un bijoutier pour faire rhodier à nouveau le bijou, ce qui a un coût.

L’oxydation de l’argent est un processus naturel : au contact de l’air, de la lumière et de l’humidité, votre bijou noircit ou jaunit. C’est encore plus le cas au contact du chlore (d’où la recommandation de ne pas porter de bijou en argent dans une piscine).
Vous pouvez y remédier en protégeant au maximum vos bijoux de l’oxydation et en les nettoyant quand cela est nécessaire.

Pour protéger les bijoux en argent de l’oxydation : veillez à ranger vos bijoux à l’abri de la lumière quand vous ne les portez pas, donc dans une boite ou une pochette. Évitez également l’humidité.

Cela sera inutile pour une bague que vous portez souvent, car les frottements impliqués par le port d’une bague empêchent naturellement l’oxydation de se fixer.

Pour enlever l’oxydation, voici 4 astuces que nous utilisons à la galerie et pour nos propres bijoux.

Autant que possible, nous ne recommandons pas les solutions toutes prêtes du commerce. Celles-ci sont en effet extrêmement nocives pour l’environnement et pour l’humain (il est fortement recommandé d’utiliser des gants et un masque lors de leur utilisation).

Astuce n°1 : le chiffon imprégné
Ces chiffons se trouvent facilement dans le commerce (par exemple le chiffon Hagerty spécial argent). 
Nous les utilisons pour les surfaces polies uniquement et faciles à nettoyer. Sur une surface brossée, le fait de frotter avec un chiffon va peu à peu polir le bijou.

Astuce n°2 : le nettoyage à l’eau chaude, feuille d’aluminium et bicarbonate de soude
Rapide et facile, il permet de nettoyer plusieurs pièces en même temps sans nuire à l’environnement, et est très gratifiant!
Comment faire : dans un bol ou une petite bassine, tapissez le fond d’une feuille d’aluminium (vous pouvez recycler l’emballage d’une plaque de chocolat par exemple), et disposez les bijoux dessus. Versez de l’eau chaude voire bouillante jusqu’à recouvrir les bijoux et saupoudrez de bicarbonate de soude. La réaction chimique générée va retirer l’oxydation du bijou et la fixer sur la feuille d’aluminium.
Retirez les bijoux et rincez les à l’eau claire, puis tapotez-les à l’aide d’un sopalin pour les sécher.
A noter que ce procédé ne doit pas être utilisé pour des bijoux comportant des pierres.

Astuce n°3 : le dentifrice
Pour des bijoux en argent brossé, vous pouvez utiliser une brosse à dents souple et du dentifrice. Rincer ensuite à l’eau claire.

Astuce n°4 : le blanc de Meudon
Procédé extrêmement efficace, économique et naturel. Il n’abime pas les pierres de vos bijoux s’il entre en contact avec elles.
Le blanc de Meudon est une poudre naturelle qui se trouve facilement en magasin bio ou en droguerie.
Comment faire : humectez votre doigt avec de l’eau et trempez-le dans le Blanc de Meudon pour faire adhérer la poudre au doigt. Frottez le bijou avec, puis rincez à l’eau claire; votre doigt va devenir tout noir, et l’argent redevenir bien blanc.

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