Pouvez-vous nous raconter comment vous êtes devenue bijoutière ?
C’est un peu le hasard qui m’a conduite vers ce métier. En terminale, je cherchais une voie professionnelle manuelle, et des gens m’ont parlé de la bijouterie. J’ai trouvé un apprentissage et j’ai découvert que j’aimais travailler le métal. Ce n’était pas une passion de toujours, mais j’ai été captivée dès que j’ai commencé.

Qu’est-ce qui vous plaît le plus dans le travail du métal ?
Ce qui me plaît, c’est de travailler le métal, de le transformer. J’aime la précision et la patience que cela demande. La forge, par exemple, est une technique ancestrale qui me fascine. J’ai appris un peu cette technique à Strasbourg, où j’ai eu l’occasion de m’entraîner au Damas avec Jean-Louis Hurlin, un maître d’art. Mais pour l’essentiel, j’ai appris par moi-même.

Comment se déroule votre processus créatif ? Dessinez-vous vos pièces avant de les créer ?
Ça dépend. Le dessin est pour moi un outil de réflexion. Je l’utilise pour faire évoluer une pièce ou pour trouver des solutions techniques. Mais je ne dessine pas toutes mes pièces. Souvent, ce sont les objets que je ramasse ou que je vois qui m’inspirent. Je pars de l’existant et je transforme.

D’où tirez-vous votre inspiration ?
J’ai des fils conducteurs que je suis. Mes trouvailles m’inspirent. Par exemple, pour les colliers à spirales, j’ai su immédiatement ce que je voulais en faire dès que j’ai vu l’objet. J’ai fait quelques recherches pour la disposition, testé différents enroulements, et finalement, j’ai trouvé ce qui me plaisait.

Travaillez-vous uniquement le métal, ou explorez-vous d’autres matériaux ?
Je travaille aussi les végétaux, les galets, et parfois la cire. J’utilise parfois des pierres précieuses, mais seulement si la pièce le nécessite. J’aime bien la tourmaline ou l’émeraude.

Comment décririez-vous votre style ?
C’est une question difficile. Je dirais qu’il y a des influences primitives dans mon travail. Je ne suis pas dans la géométrie ; j’aime les formes désaxées et je n’aime pas la répétition. Mon travail se rapproche peut-être plus des objets africains, mais c’est difficile de se classer soi-même. Ce sont plutôt les autres qui définissent votre travail.

Avez-vous un poinçon ou une signature pour vos créations ?
Oui, j’ai un poinçon de maître. C’est un losange avec mes initiales, MA, et au milieu, il y a un castor. Le castor est un animal constructeur, familial, et qui vit en harmonie avec la nature. C’est un symbole qui me parle beaucoup.

Y a-t-il toujours une histoire derrière vos bijoux ?
Oui, toujours. Mes bijoux racontent des histoires de rencontres, que ce soit avec des objets, des gens ou des lieux. Ils ont presque tous un nom, qui apparaît comme une évidence au fur et à mesure de leur création.

Cherchez-vous à transmettre une émotion particulière à travers vos bijoux ?
Pas forcément une émotion spécifique, mais il y a toujours des émotions dans mes créations. C’est plus une idée, un fil conducteur, une histoire. Les émotions se transmettent à travers le travail de la matière. Un bijou est un objet qui transforme les émotions, et chaque pièce est porteuse de la sensibilité de son créateur.

Pouvez-vous nous parler des techniques que vous utilisez ?
J’utilise beaucoup de techniques classiques de bijouterie, comme la forge. Mais j’invente aussi parfois mes propres techniques ou outils pour arriver à mes fins. Par exemple, les bagues feuilles sont nées d’une expérimentation où j’ai moulé des champignons dans du plâtre, puis des feuilles. C’est un processus constant d’expérimentation et de recherches.

Découvrir les créations de Marianne Anselin

Cet article Rencontre avec Marianne Anselin est apparu en premier sur GALERIE BETTINA FLAMENT.

Comment avez-vous eu l’idée de créer ce bougeoir ?

« La collection Eccola a commencé par les bijoux. Ensuite, j’ai voulu intégrer des objets pour explorer la forme et la matière.

Le grand vase (« Idolo ») a été ma première création. Il met en avant la faïence, une matière que j’utilise depuis le début de ma carrière, qui représente le fil rouge de mes collections.

Ensuite, j’ai eu l’idée de créer un bougeoir en m’inspirant des statuettes des déesses Vénus, des représentations féminines de la période néolithique.

Statuette féminine néolithique moyen,
Terre cuite modelée,
Musée d’Archéologie Nationale, Saint Germain-en-Laye

La question de la taille était importante : je souhaitais un objet facile à tenir en main, avec une certaine présence et qui exprime la féminité.

J’ai également voulu mettre en avant le côté technique en créant une partie intérieure amovible, facile à nettoyer.

En exploitant ces différentes facettes, j’ai eu l’idée de concevoir un bougeoir avec plusieurs fonctions : on peut le mettre dans deux sens différents et il est soit bougeoir, soit soliflore.

J’imaginais par exemple un centre de table avec différents objets créant un dialogue : trois avec des fleurs, deux avec des bougies. Ils peuvent être placés dans différentes positions, permettant de créer plusieurs combinaisons, et une alternance entre vide et plein.

Quel est votre processus de création et de fabrication du prototype jusqu’au résultat final ?

J’ai passé beaucoup de temps sur le dessin. Mon objectif était de trouver les proportions parfaites et la taille adéquate. Il était important de trouver le bon espace entre les différentes parties et l’équilibre le plus juste possible entre les courbes.
Je souhaitais trouver une forme et une taille capables de contenir aussi bien une bougie qu’une fleur.

En ce qui concerne le processus de fabrication, je dessine l’objet à la main, puis il est modélisé et imprimé en 3D.

Je collabore avec un céramiste en Italie spécialisé dans la faïence traditionnelle des années 60, qui a un savoir-faire exceptionnel.

Après validation de la pièce imprimée en 3D, le céramiste crée un moule en plâtre, formé de plusieurs parties.

ll verse ensuite la terre liquide dans le moule et contrôle le temps nécessaire pour obtenir la bonne épaisseur de l’objet.

Après avoir vidé le moule du surplus de terre, le céramiste laisse sécher le modèle et lisse les arêtes entre les différentes parties. La pièce en biscuit est ensuite cuite à 1000 degrés.

Après la première cuisson, la pièce est plongée dans un bain d’émail, puis elle est cuite une deuxième fois à 980 degrés pour obtenir le résultat final.

Êtes-vous contente de ce projet ?

Je suis très contente de ce vase et bougeoir, il plait beaucoup et permet aux personnes qui apprécient mon travail, mais qui ne portent pas de bijoux, d’avoir une de mes créations.

Le résultat final correspond vraiment à ce que j’avais imaginé. J’ai passé beaucoup de temps à le dessiner et à perfectionner la forme pour obtenir un objet à la fois ergonomique, sympathique et sensuel. »

Propos recueillis par Samantha, stagiaire à la galerie, le 11/05/24.

Photos fournies par Marion Vidal.

Cet article Rencontre avec Marion Vidal | le bougeoir-soliflore Eccola est apparu en premier sur GALERIE BETTINA FLAMENT.

Louise travaille dans un atelier partagé au Bazaar Saint So, lieu dédié aux activités créatives et porteuses de valeurs sociales à Lille.

« J’ai grandi dans un milieu créatif : mon père était architecte et ma mère avait créé le premier dépôt-vente de vêtements à Lille, avec de très belles pièces de couturiers et de créateurs. J’ai donc baigné dans un milieu tourné vers les arts, l’architecture et la mode.

Après un bac littéraire, je me suis naturellement tournée vers les arts appliqués et j’ai découvert le design textile, qui a été pour moi une révélation : on peut collaborer avec plein d’autres métiers que la mode. Et j’adore le motif, les imprimés.

J’ai d’abord travaillé dans quelques entreprises de la région, puis j’ai eu envie de créer des produits plus proches de mes préoccupations et de mes valeurs. J’ai donc décidé de créer des accessoires qui me correspondaient, tout en suivant le processus entier, de la création à la fabrication.

Ce que j’aime avec les foulards, c’est le format carré, comme une page blanche qui permet de laisser libre cours à mes inspirations et mes envies.

Le foulard en soie, c’est un objet qu’on transmet, qu’on va garder toute une vie. J’ai moi-même des foulards qui viennent de ma grand-mère. Et puis, le travail de la soie implique une certaine qualité et une valeur. C’est un accessoire très classique, que j’avais envie de remettre au goût du jour en proposant une lecture plus actuelle, avec des motifs contemporains.

J’ai toujours été intéressée par les questions de fabrication et de perpétuation de savoir-faire. Je collabore avec une entreprise de la région lyonnaise, région historique du travail de la soie. Cette entreprise est labellisée « Entreprise du patrimoine vivant« , un label attribué aux entreprises qui perpétuent des savoir-faire d’exception et des techniques anciennes.

Ce qui me plait avec les accessoires, c’est le côté « art utilitaire« , car on crée des choses qui vont être portées. J’aime cette relation à l’usage.

Je suis très inspirée par les courants du Bauhaus et du Modernisme : des courants dans lesquels il n’y avait plus de hiérarchie entre les arts « majeurs » et les arts appliqués. Pour moi aussi les différents arts sont de la création qui doit cohabiter, se répondre et s’influencer mutuellement.

Mon premier foulard a été le foulard « Living room », inspiré du travail de Charlotte Perriand, mon artiste et designer préférée. J’admire son travail et son parcours.

Mes inspirations sont issues de l’art, en particulier de l’architecture, la photographie et le cinéma, que je réinterprète à ma façon. Je me considère plus comme une designer que comme une créatrice de mode, car je ne me reconnais pas dans la temporalité de la mode qui veut qu’un vêtement soit vite démodé.

Je crée une collection que j’ai voulue intemporelle et qui vient s’enrichir au fur et à mesure de nouveaux modèles.

A travers mes foulards, je recherche la transmission d’une histoire et d’un vêtement qui dure, tant par la qualité que le style.

C’est une production raisonnée, en petite série et à un prix juste compte tenu de la qualité et du lieu de fabrication. C’est cela mon plus gros défi, face à des mastodontes ou des concurrents qui ne se préoccupent pas forcément des conditions de fabrication, ce qui fausse les prix du textile.

Dans un accessoire, il y a énormément d’étapes de fabrication, et la conscience que cela a un certain coût a malheureusement été perdue.

Je porte certains modèles plus que d’autres, en fonction des couleurs qui vont m’aller mieux que d’autres. Dernièrement, je porte surtout le « Loggia », mon dernier modèle qui est inspiré de la Cité radieuse de Le Corbusier à Marseille. »

Propos recueillis par Elise Lecocq, stagiaire à la galerie, le 16/05/23

Découvrir l’univers Andrée Sorant

Cet article Louise Motte, créatrice des foulards Andrée Sorant est apparu en premier sur GALERIE BETTINA FLAMENT.

Les bijoux de Telma, ce sont des agencements de formes très pures, magnifiées par la couleur mate du stratifié HPL qu’elle récupère auprès de menuiserie locales.

La découpe est parfaite, la face cachée du bijou aussi belle que la face visible; d’ailleurs ses colliers ont la particularité d’être réversibles.
Les boucles d’oreilles ont été étudiées pour suivre la courbe du visage. Les colliers sont grands mais légers, et souples car montés sur un ruban.

A l’occasion de l’exposition COLORS (du 21 mars au 29 avril 2023), elle a répondu à notre questionnaire sur la couleur.

Que représente la couleur pour toi ?

La couleur est une représentation de notre état d’esprit. Elle l’affirme et l’amplifie.

Quel rôle joue la couleur dans ton travail et depuis quand ?

Au fil des années, la couleur a joué un rôle de plus en plus important dans mon processus créatif. Aujourd’hui, elle est présente dans tous les aspects de mon travail : architecture, bijou, peinture.

Y a-t-il des couleurs que tu évites ?

Pas particulièrement. Les couleurs que j’utilise sont naturellement limitées puisque je ne travaille qu’avec des chutes issues de menuiseries. Cependant, mon choix de couleurs parmi ces chutes et les associations de couleurs que je vais former dans mes bijoux vont me caractériser – bleu vif, bleu-vert, rouge, bordeaux, orange, noir et blanc…

Comment choisis-tu les couleurs que tu utilises dans tes bijoux ?

Je recherche toujours la simplicité et la clarté des formes, et la symbiose entre couleur et forme; pour un parfait équilibre des deux. C’est un langage fort et audacieux.

Quelles sont tes différentes inspirations en ce qui concerne la couleur ?

Mon inspiration principale est clairement l’architecture. Les couleurs que je choisis servent à accentuer la forme, les vides et les pleins, l’ombre et la lumière… c’est très intuitif, en fait.

Cet article Telma DA : Minimalisme et couleur est apparu en premier sur GALERIE BETTINA FLAMENT.

Que signifie la couleur pour toi ?

J’expérimente la couleur comme un mode de vie.

Quel rôle la couleur joue-t-elle dans ton travail, et depuis quand ?

Tout est en couleur dans mon travail ! Mes bijoux sont entièrement colorés, de tous les côtés.
J’ai l’impression que la couleur m’a toujours accompagnée. L’arc-en-ciel coule dans mes veines !

Y a-t-il des couleurs que tu évites ?

Je n’évite pas spécialement de couleurs. Cependant, certaines couleurs n’ont pas leur place dans mon travail, les tons de gris par exemple.

Comment choisis-tu les couleurs que tu utilises dans tes bijoux ? Comment les décrirais-tu ?

Ma méthode de composition est ludique et instinctive.
La couleur a toujours été présente dans mon travail. Au fil du temps, j’ai mis au point une palette très personnelle qui regroupe des tons pastels, des couleurs vives voire fluo et des finitions métalliques. Tout cela peut sembler beaucoup, mais cela a parfaitement sa place dans mon univers.

Quelle sont tes différentes inspirations en ce qui concerne les couleurs ?

Je prends beaucoup de plaisir à transformer mes expériences en métaphores, en ajoutant une vision romantique – parfois ironique – à toutes les petites choses du quotidien.
Mes sources d’inspiration sont le graffiti et le street art, ainsi que les mouvements artistiques tels que Dada, le Bauhaus et Memphis, pour n’en citer que quelques-uns.

Le mélange est ma marque de fabrique. J’aime associer les contraires, les faire dialoguer. Les faire danser, s’éloigner, s’approcher et jouer ensemble.

Mes bijoux sont comme une potion magique regroupant différents ingrédients provenant de diverses inspirations. Ce sont des collages, des assemblages à travers lesquels j’essaie de refléter mon monde intérieur.

Cet article Eva Burton : « l’arc-en-ciel coule dans mes veines » est apparu en premier sur GALERIE BETTINA FLAMENT.

Dans le cadre de ses recherches, elle a eu l’idée de combiner design textile et création de bijou. 

C’est en se formant à une technique de passementerie chez un fabricant en Saxe (« Häkelgalon », une technique de tressage importée de France au 19ème siècle) qu’elle en imagine le potentiel créatif. Plus que les motifs, fascinants par leur diversité, ce sont alors la structure et la forme du galon qui l’intéressent. 

Après de nombreux essais avec différents fils sur une machine des années 1950, elle met au point sa propre technique pour fabriquer des bandes textiles, qui seront ensuite mises en forme pour en faire des bijoux tridimensionnels. C’est donc l’association d’un procédé mécanique (la fabrication de bandes textiles sur une machine ancienne dans son atelier) et d’un travail manuel (froncer, vriller et superposer les bandes en spirales) pour un résultat unique : des bijoux tout en volume et en transparence, très légers. 

Au travail sur le volume et la forme se superpose un travail sur la couleur : Anke Hennig dispose d’une multitude de teintes de fils qu’elle associe avec virtuosité dans ses créations.

Sa compétence de coloriste a été une aide précieuse lors du choix des palettes de couleurs pour la collection présentée dans l’exposition COLORS : association de boucles d’oreilles dans différentes nuances d’une même couleur, et association de nuances dans un même bijou (colliers, broches).

Une démonstration éblouissante du talent technique et créatif de Anke Hennig. 

Exposition COLORS, du 21 mars au 29 avril 2023 à la Galerie Bettina Flament. 

Sources : Anke Hennig, GZ Goldschmiede Zeitung.

Cet article Anke Hennig : le fil et la couleur est apparu en premier sur GALERIE BETTINA FLAMENT.

Nous collaborons depuis 2016 avec Tania Clarke Hall, créatrice londonienne qui fabrique exclusivement des bijoux en cuir. Depuis peu, elle y associe également les perles de culture, pour un résultat étonnant, très graphique et chic.

Influencée par l’architecture, le design et la vie quotidienne, Tania Clarke Hall a développé un style de bijoux unique, à la personnalité forte et colorée. Des pièces d’exception ainsi que des pièces faciles à porter au quotidien, qui feront la différence.

Tous ses bijoux sont entièrement conçus et fabriqués dans son atelier de Londres, avec une découpe à la main, et l’application de pigments colorés ou de feuille d’or. Les cuirs, d’origine britannique ou italienne, sont soigneusement sélectionnés, et ne sont soumis à aucun traitement chimique (tannage végétal).

Les finitions sont impeccables, les bijoux se posent bien. Tania passe beaucoup de temps à peaufiner sa technique et les détails (fermoirs, volumes). Elle ne propose pas de nouveau modèle tant qu’elle n’a pas atteint le résultat attendu.

Tania a participé en 2020 à l’exposition « PEARLS » organisée à la galerie.
A cette occasion, nous lui avions posé quelques questions :

Quel est ton rapport à la perle ?

J’aime bien la perle car c’est un matériau naturel, comme le cuir.
J’adore sa blancheur et la nacre, la profondeur de la surface qui fonctionne bien en contraste avec le cuir.

Comment en es-tu venue à incorporer les perles dans ton travail ?

J’ai commencé il y a environ 18 mois, car j’avais envie d’ajouter quelque chose au cuir et car j’adore le monochrome, le graphique. Je voulais aussi jouer avec la tradition, avec les codes associés à la perle (Sloane Rangers, Rah).

Comment s’intègre la perle dans tes bijoux ? Quelle place a-t-elle ?

C’est une nouveauté pour moi. Quand j’ai voulu ajouter une autre forme, un autre matériau au cuir, la perle est devenue très évidente. Cela me permet d’associer un matériau précieux au cuir.
Peut-être qu’un jour je travaillerai aussi avec des pierres.

Comment sélectionnes-tu les perles ?

Je vais chez un fournisseur à Hatton Garden, à côté de mon atelier.
Ce sont des perles d’eau douce, originaires de Chine. J’adore les perles rondes et les perles « tear-drop », qui n’ont pas toujours la même forme ; cela ajoute une imperfection naturelle, comme pour le cuir où je ne peux pas tout contrôler.

Quel est ton processus de création et de fabrication ?

Je travaille les deux matériaux en même temps. Je joue avec la matière, j’expérimente. Les deux interagissent.

Mon premier bijou avec des perles a été la créole. J’avais cela en tête depuis longtemps. J’ai été inspirée par des tableaux de la période élisabéthaine, dans lesquels il y a des vêtements en cuir ornés de perles. J’ai pensé du coup ajouter des perles à un modèle de créoles, selon le même principe.

J’ai dû trouver des techniques de fabrication pour attacher les perles de manière solide et harmonieuse au cuir, comme cela est le cas pour chaque nouveau modèle, il y a un temps de mise au point. Tant que le résultat ne me satisfait pas, je continue à chercher.

Cet article Un bijou en cuir au style unique est apparu en premier sur GALERIE BETTINA FLAMENT.